La muerte del cisne…en versión Hoola Hoop

La performera Judith Lanigan le ha dedicado su vida al hoola hoop, sí ese objeto redondo hecho de plástico que tanta frustraciones nos dio a algunos en nuestra niñez. Pero Lanigan lo ha elevado a toda una profesión siendo su obra maestra esta versión muy peculiar de ¨La muerte del cisne¨, parte culminante de ese icónico ballet romántico ¨El lago de los cisnes¨.

Para los que no creían en el arte posmoderno aquí tienen la muerte del cisne en Hoola Hoop, una mezcla de ingenuidad y cinismo, adorabilidad romántica y burla. Más abajo, la versión original interpretada por la reconocida bailarina rusa Anna Pavlova. La verdad es que a la luz del original la copia no parece tan desubicada.

A falta de clases de arte, ¿mamá?

Ante el inminente asote que está recibiendo la cultura en Puerto Rico (y en muchos otros lugares), es necesario tomar medidas de contingencias. Que pueden ser tan simples como un padre/madre enseñarle a su hijo/a el arte de mirar, la maravilla de observar su entorno más allá de lo meramente funcional, sino poder ver y deleitarse también con cómo un árbol recién florecido puede crear una lluvia de flores amarillas o cuán diferent se ve el cielo cuando se mira desde debajo del agua, sumergido en la playa.

Este artículo del Boston Globe ofrece otras posibilidades de cómo los padres y madres pueden ayudar a subsanar el vacío que deja la falta de apoyo institucional y gubernamental hacia las artes (desde el despido de maestros de arte, hasta la falta de fondos – o sea la desmantelación virtual de instituciones artísticas y culturales como el Instituto de Cultura Puertorriqueño). Me preocupa un poco que esto se vuelva un relegarle los padres la responsabilidad de educar a las próximas generaciones sobre sensibilidades culturales y artística, una salida facil del gobierno que cada vez más busca librarse de lo que han sido sus responsabilidades (empleo, salud, retiro, educación). pero a la misma vez entiendo que el proyecto educativo de un pueblo no le corresponde únicamente a las escuelas – la casa, la familia, tambiñen son escuelas, aprovechémoslas pues.

Use your imagination
How parents can fill the void when schools cut arts and music programs
By Don Aucoin
Globe Staff / September 1, 2009

One day, when Barbara Martin was 11 years old and lounging around her Tennessee home with her three siblings, their mother returned from a backyard foray with some unexpected marching orders.

“Everyone should spend five minutes in the hammock looking up at the blue sky through the yellow leaves,’’ she told them. The children complied. “It was an extraordinary visual effect,’’ recalls Martin. “The colors were so fabulous on that fall day, it had the power to feed your soul.’’

That maternal lesson on the importance of forging a connection to the visual world, of seeing the world as a work of art, evidently stuck with Martin: Today, she is the Alfond curator of education at the Museum of Fine Arts.

But what if you’re an average parent? How do you instill an appreciation for the arts in your kids, thereby enlarging their creative and critical-thinking skills while deepening their enjoyment of life?

The question has added urgency at the moment. The statewide education budget crunch has prompted many cash-strapped schools to cut back on programs in music, theater, dance, photography, and the visual arts. In February, a report by the Boston Foundation found that as students in Boston’s 143 public schools move into the higher grades, their access to arts programs of all kinds sharply diminishes.

For parents who want to pick up the slack and shoulder the role of arts advocate and educator, one place to start is exactly where Martin’s mother began: in the home. The first art to develop is the art of looking. Martin says parents should foster “a visual awareness of your surroundings’’ within their children. “Think of looking games as something to do when you’re walking. ‘How many colors can you find in this landscape? What story can we tell each other about this picture?’ ’’ she says. “Think about opportunities to engage your kids with the visual world.’’

While you’re doing that, stock an “art shelf’’ or an “art box’’ with plenty of construction paper, markers, fabric scraps, and old magazines (for cutting pictures out of). That way, when inspiration strikes your child, he or she will have the tools at hand to execute their vision.

The next step is to take them to a museum, so they can see how the pros do it. The MFA offers activity sheets for children, called “Art Connections,’’ that allow them to explore “Mythical Creatures, Powerful Figures, Flowers, Cats, or Writing.’’ Also available at the museum are art classes for kids, a visiting guide replete with “gallery games,’’ a family audio guide, and a “Family Art Cart’’ for children ages 4 and older.

Martin advises parents to build field trips with their kids around a theme. For instance, using the MFA’s self-guiding “Art Connections,’’ parents and children could follow the theme of “Writing in Art’’ from a cuneiform inscription dating to ancient Assyria to an inscribed golden bowl in the early-Greece gallery to the Egyptian funerary arts gallery.

“What you want in visiting a museum is a balance of focus and freedom,’’ says Martin. “Affirm your child’s observations. ‘Ah, so you’re noticing the brushstrokes are short and choppy. Oh, so you think the bird is about to eat the worm.’ ’’

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Soplo….danzando en la calle

En Puerto Rico el arte del performance, el arte público y/o el arte callejero no es algo que haya cogido mucho vuelo. Bueno, ni si quiera contamos con los músicos tocando algún instrumento en alguna esquina como es costumbre en muchas ciudades, y esto es sólo la versión más light del performance callejero.

Aquí lo público causa problemas. Ni las aceras se usan, más bien parecen estar de adorno. Todo transita por las calles, siempre hay un lugar a donde ir, pocas veces podemos simplemente estar, disfrutar del paisaje, ver la playa, tomarnos el tiempo de mirar el espacio en el que vivimos y realmenete interactuar con él. El colectivo Soplo, dirigido por la coreógrafa y bailarina Ñequi González  es uno de los pocos que nos lleva a esta reflexión, se dedican a hacer intervenciones en el espacio público a través de la danza.

Hoy El Nuevo Día públicó una nota al respecto que me parece les representa bastante bien. Como a veces somos rápidos para criticar pero lentos para reconocer cuando se hace el trabajo bien y ya par de veces ese periódico ha cogido cantazos en este blog, he decidido republicar parte de ese artículo que francamente me sorprendió hubieran publicado. Enhora buena por ellos. Aquí va.

Arte Callejero

Por Damaris Hernández Mercado

Al verlos algunos se asombran, otros los entienden y hay quienes piensan que se trata de un grupo de locos, “poseídos por algún demonio”. Así suelen ser las primeras reacciones de los espectadores del colectivo artístico Soplo.

Hace dos años, un grupo de jóvenes y adultos dedicados al arte espontáneo callejero se dieron a la tarea de retomar los espacios públicos y cotidianos como escenario para presentaciones improvisadas, que incorporan la danza contemporánea, la experimental y el teatro.

“En Puerto Rico hay muchos lugares, pero no se usan porque la gente no camina, ya que estamos acostumbrados a la vida en el auto. Eso nos diferencia de otros países de Latinoamérica y Europa; eso hace que perdamos contacto con la cotidianidad. De ahí es que surge el colectivo, para aprovechar esos espacios y fomentar el arte en las calles” sostuvo Ñequi González, la organizadora del grupo, integrado por unos 40 miembros.

A diferencia del teatro, en sus presentaciones apenas existen coreografías, ensayos ni libretos. Tampoco se requiere una formación en danza ni hay que dominar la técnica del ballet. Sí se necesitan habilidades para desarrollar un trabajo más contemporáneo y abstracto, a través de movimientos corporales.

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Ars Miranda: microanálisis del desafío cultural

Acteón, quien pagara con su cuerpo el precio de su mirada, en plena ligaera a Diana, la cazadora

Porque el arte está para ser mirado surge Ars Miranda.

No, perdón, porque el arte de mirar es bastante complicado y amerita difusión, discusión y claro, múltiples miradas, es que surge Ars Miranda, blog de la revista cultural Desafío del periódico Diálogo.

Y nace este blog en un momento particularmente apropiado: CIRCA, la mayor feria de arte del caribe se avecina y es el foco principal de Ars Miranda. ¿Qué galerías visitan? ¿Cuáles son sus artistas destacados y su visión del arte? ¿Qué proyectos nuevos veremos? ¿Y qué precisamente son los CIRCA Labs y los solos shows? Todo esto lo podrás encontrar en Ars Miranda. Aquí una breve muestra de par de blog post interesantes que se han hecho:

Ruthless &Toothless: un espacio en CIRCA para tu bebé rockanrollero

Los chicos del programa de tv Miami Ink vienen a CIRCA con su colección de ropa y accesorios para bebés impregnados de arte al estilo de los tatuajes.

Ángel Delgado trae el “estado mental” de la cárcel cubana a CIRCA 09

El artista cubano traerá una obra interesantísima a CIRCA que surgió a raíz de su encarcelamiento en Cuba por un performance que hizo en el cual cagó en público encima del periódico Granma.

“In a Nutshell: What’s all the fuzz about Public Art?”

El irónico nombre de la exhibición en los Circa Labs. Sí, ¿cuál es el rollo con el arte público cuando puedes en vez sacar un montón de chavos haciéndolo en Plaza Las Américas (el centro comercial más grande del Caribe, perdóname) y llamándole al evento Coors Light presenta CIRCA  Labs @ Plaza? Simplemente “Beautiful!”

Olvídense de las compañías automovilísticas, ¡Salven a las marionetas!

Mientras la tres compañías automovilísticas más grandes de EEUU, Chrysler, Ford y General Motors, le ruegan al Congreso que les regale, perdón, les “preste”, 34 billones de dólares para compensar por su mala administración de años, el New York Times ha sacado un artículo con el genial título de “Forget Citygroup, Puppet Show Needs a Bailout“. Dice:

There are many ways to measure California’s tanking economy: an 8.2 percent unemployment rate; a multibillion-dollar state budget gap; threatened endowments of the city’s museums, causing some cultural institutions to nearly default on mortgages; and the continued weakening of the Hollywood studio system. But the meltdown of the marionettes may say it all.

(…)

Over the last few months Mr. Baker, 84, has fallen $30,000 behind on his mortgage and lost a rent-paying tenant, while his two major sources of revenue have dried up. First, the public schools have reduced financing for field trips. And second, some of his lower-income parents, he said, unemployed and swimming in debt, are unable to come up with the $15-per-ticket admission.

 “We’ve had quite a few people call who are losing their houses and have to cancel birthday parties,” he said.

 Y si bien esa situación particular resulta fuerte apunta a un problema más grande: ante una crisis económica, o sea, cuando “aprieta el bolsillo” de las primeras cosas que se descartan son las llamadas “actividades culturales”. De repente ir al teatro, o a ver un showcito de baile o impro en un café teatro se vuelve caro. En vez, para compensar esa necesidad natural que tiene el ser humano por el ocio y los medios de expresión, quizás vamos al cine, o si se pone bien pelúa la cosa, nos resignamos a esperar por los vídeos de Netflix, porque no hay chavos ni pa gastar gasolina en ir a blockbuster.

Recientemente me han llegado rumores (vale no soy La Comay, pero to’ el mundo tiene “pajaritos” que le cuentan cosas) de que el café teatro Araba puedes estar cerrando muy pronto. Y es una pena, un espacio nuevo que presentó cosas interesantísimas como el Homenaje a la Muerte y la Mentira, y que el próximo fin de semana del 19 – 21 tendrá al excelente grupo de teatro ”Y No Había Luz“, no va a lograr durar mucho más de un año. Y bueno, la crisis en los museos del país ha sido harto discutida, sin hablar de como en tiempos “normales” compañías como Andanza y Ballet Concierto, entre otras compañías que funcionan (y producen) a tiempo completo, no tienen suficiente apoyo gubernamental. De seguro después de que se decidan a eliminar la procuradoría de la mujer por disque inecesaria decidirán de una vez y por todas darle muerte al Instituto de Cultura que, a pesar de sus fallas, lo que necesita es una reorganización no un tijerazo.

Arte a lo Disney

Disney es una de las industrias culturales más grandes que hay y si bien los clásicos de La sirenita y Aladdin son de tiempos pasados con Pirates of the Caribbean y la recién compra de Pixar ciertamente va a haber Disney pa rato. Y como ni yo puedo resistir el encanto del ratón más famoso del mundo cuando pasé por la megatienda de Disney en la quinta avenida de manhattan no pude evitar entrar. Y qué me he encontrado? nada más y nada menos que el “Disney Fine Art Galery” donde pueden comprar piezas entre los $600 – $2000 del susodicho “arte fino” de Disney. Aquí les dejo una muestra de las graciosas apropiaciones de los clásicos del arte que ha hecho Disney.

Portrait de Goofy en su versión de cubismo pop

Mickey y mini van a tomar un café en una pintura de Renoir

Disney viaja a la china

Y mi favorita…

Disney a la afiche. Quizás estoy en un viaje pero no puedo evitar pensar en el poster icónico del Che, los colores, la mirada misteriosa pero simpática and of course, el hotness.

Perdidos en la ciudad: graffiti verde y graffiti a la inversa

Si hay un concepto que se asocia con el graffiti es la urbanidad. Es un arte de paredes, de subways, de edificios abandonados y de muros míticos también, como el de Berlín o el de Israel y Palestina. Pero en la semana del planeta Tierra (cuyo día se celebra el 22 dde abril) tenía curiosidad por ver que se había hecho de graffiti relacionado a la naturaleza. Después de todo el graffiti tiene fama de niño rebelde y de seguro algún grito ambientalista se habría manifestado en alguna parte del mundo. Y efectivamente, en Grecia los anarquistas hicieron de las suyas y dejaron este regalito.

Pero para mi sorpresa, aún más que ambientalista, resulta que se puede hablar de un graffiti verde. Resulta que desde hace algún tiempo artistas como Moose de Inglaterra, han comenzado ha trabajar con la idea de graffiti a la inversa, conocido en inglés como “reverse graffiti”. Explico, te acuerdas de cuando le escribías “¡lávame!” al carro sucio de tu mamá, pues la misma idea de limpiar selectivamente el polvo y el sucio para crear algo está siendo utilizada por estos artistas para crear obras de arte.

De esta forma el aparente dilema de graffiti como arte o vandalismo, belleza o suciedad, cobra toda una nueva dimensión. Sobretodo porque los artistas, conscientes de las implicaciones de sus técnicas, han hecho obras en nada inocentes. En Brasil Alexander Orion fue a un túnel de Sao Paolo y creó un mural de calaveras, como para recordarle a los miles de autos que por allí transitan todos los gases dañinos que emiten. En respuesta, el gobierno de Sao Paolo limpió ese lado del túnel para borrar el graffiti; o sea, terminó de limpiar lo que ya Orion había comenzado a hacer selectivamente con su arte. Mas mira que el niño tiene maña porque entonces volvió a hacer el mismo mural en el otro lado del túnel y esta vez las autoridades finalmente captaron el mensaje y limpiaron TODOS los túneles de Sao Paolo. Al parecer las paredes ya no sólo sirven para hablar, ahora también, para actuar.

Por su parte, en Brooklyn, se ha dado probablemente el epitome del graffiti verde. La europea Edina Todoki, está dejando rastros verdes por toda la ciudad en una obra que deriva del graffiti en su diálogo con las paredes y lo urbano,. Sin embargo guarda aún más relación con la instalación pues crea sus piezas a partir de “pegar” plantas a las paredes. Lo mejor es que en ocasiones ella u otros van y las cuidan, pero igual, según expone la artista, dependiendo de la estación del año las plantas son capaces de sobrevivir por ellas mismas, creando una obra que literalmente esta viva.

Quizás con este tipo de acciones en la ciudad podamos finalmente entender cuanto podemos afectar nuestro ambiente con nuestras acciones que muchas veces son dañinas, pero también cuanto nos podemos dejar afectar por el ambiente mismo, para traerlo una vez más a la cotidianidad de nuestras vidas.

Aquí les dejo un vídeo de la creación del graffiti en Sao Paulo, con intervención de policías y todo

este artículo fue publicado originariamente en la revista La Jota. Para verlo (tiene más fotos) clikea aquí.

Lo urbano como estética: Berlín y su sinfonía de peculiar ciudad

Hace muchos años cuando el cine todavia no estaba “potty trained” y experimentaba con todo en busqueda de una identidad surgió una de las películas seminales del cine experimental: Berlin, sinfonía de una gran ciudad. Unos cuantos años han pasado y el pasado glorioso de negativos alemanes cargados de Metropolis y Nostradamus se ha visto reducido a una producción bastante insignificante en el panorama mundial, pero Berlín permanece ahí: resonando en los ecos de la memoria como una ciudad de leyenda. Destruida y redestruida sigue negándose a ceder la arrogancia capital y si bien no me atrevería a llamarla un ave fenix (alguna dignidad todavía me queda respecto a los clichés), no se le puede negar el talante y deseo de innovación que hay que tener para hacer de la palabra renacer un gerundio inseparable de su nombre.

Y es que desde la caida del Muro, Berlín siempre ha estado renaciendo. Curiosamente elegió unas formas muy distintas basadas en la estética de lo urbano en vez de la galantería monumental de las capitales tradicionales. Su receta no fueron plazas a lo romano, monumentos a lo Washington DC o parques y callejones románticos a lo francés. Berlín optó por el lado oscuro: buscó el grafiti y la instalación por encima de la pintura y las esculturas botando agua cristalina entre cachetes regordetes. Se negó a las plazas enormes que tanto de facistas pueden tener en su grandeza ordenada y pulida de blanco que no da espacio a nada más por que es “feo”. Se refugió en la discordia de tener recuerdos materiales de batallas perdidas por todos lados, como si supiera que la memoria, por esencia, es fragmentada, a medida que es un constructo. Por tanto, tomaron El Muro y convocaron artistas de todo el mundo para que contaran su historia forma de graffitis a lo largo de este. Al sol de hoy existe no solo la East Side Gallery con los 1316 metros de obra al aire libre con lo que quedo del muro sino que incluso algunos pedazos de quedan incurstados vestidos de spray multicolor rn el mismo medio de la zona economica. Por su parte, a la bombardeada Kaiser Wilhelm Memorial Church no la tiraron abajo y volvieron a hacer bajo sello de “copia leal”, sino que la fragmentaron aún más: le dejaron sólo su campanario destrozado. Pero acorazado por dos nuevos edificios que traigan la modernidad de una Alemania fuerte y renovada sin olvidar su pasado filtrado de angustias militares.

Entonces si esta actitud de optar por lo fragmentado y lo tenebroso del pasado como esencial al renacimiento de Berlin es parte esencial de la política pública con respecto a la estética citadina, no es de estrañar que medios más alternativos como el graffiti tengan una vida bastante prolífica en estos lares. Por todas partes los edificios se visten de colores y argumentos visuales tal cuales enredaderas en casa coloniales del sur de estados Unidos. Y mientras tanto Berlin sigue hablando: mostrando lo feo sin complejos pero sin olvidarse de lo estetico.

¿Tapa Bocas?

Fotos por: Diana Soto De Jesús

Feria de Cultura Urbana: Surtido visual…de la UPR a Río Piedras

Graffiti en la estación de la UPR

En la estación de Río Piedras…el desnudo de la mujer sentada está pintado sobre un escrín

Esculturas, caricaturas y algo más…

interactuando….

fotos por: Diana Soto De Jesús