A falta de clases de arte, ¿mamá?

8 09 2009

Ante el inminente asote que está recibiendo la cultura en Puerto Rico (y en muchos otros lugares), es necesario tomar medidas de contingencias. Que pueden ser tan simples como un padre/madre enseñarle a su hijo/a el arte de mirar, la maravilla de observar su entorno más allá de lo meramente funcional, sino poder ver y deleitarse también con cómo un árbol recién florecido puede crear una lluvia de flores amarillas o cuán diferent se ve el cielo cuando se mira desde debajo del agua, sumergido en la playa.

Este artículo del Boston Globe ofrece otras posibilidades de cómo los padres y madres pueden ayudar a subsanar el vacío que deja la falta de apoyo institucional y gubernamental hacia las artes (desde el despido de maestros de arte, hasta la falta de fondos – o sea la desmantelación virtual de instituciones artísticas y culturales como el Instituto de Cultura Puertorriqueño). Me preocupa un poco que esto se vuelva un relegarle los padres la responsabilidad de educar a las próximas generaciones sobre sensibilidades culturales y artística, una salida facil del gobierno que cada vez más busca librarse de lo que han sido sus responsabilidades (empleo, salud, retiro, educación). pero a la misma vez entiendo que el proyecto educativo de un pueblo no le corresponde únicamente a las escuelas – la casa, la familia, tambiñen son escuelas, aprovechémoslas pues.

Use your imagination
How parents can fill the void when schools cut arts and music programs
By Don Aucoin
Globe Staff / September 1, 2009

One day, when Barbara Martin was 11 years old and lounging around her Tennessee home with her three siblings, their mother returned from a backyard foray with some unexpected marching orders.

“Everyone should spend five minutes in the hammock looking up at the blue sky through the yellow leaves,’’ she told them. The children complied. “It was an extraordinary visual effect,’’ recalls Martin. “The colors were so fabulous on that fall day, it had the power to feed your soul.’’

That maternal lesson on the importance of forging a connection to the visual world, of seeing the world as a work of art, evidently stuck with Martin: Today, she is the Alfond curator of education at the Museum of Fine Arts.

But what if you’re an average parent? How do you instill an appreciation for the arts in your kids, thereby enlarging their creative and critical-thinking skills while deepening their enjoyment of life?

The question has added urgency at the moment. The statewide education budget crunch has prompted many cash-strapped schools to cut back on programs in music, theater, dance, photography, and the visual arts. In February, a report by the Boston Foundation found that as students in Boston’s 143 public schools move into the higher grades, their access to arts programs of all kinds sharply diminishes.

For parents who want to pick up the slack and shoulder the role of arts advocate and educator, one place to start is exactly where Martin’s mother began: in the home. The first art to develop is the art of looking. Martin says parents should foster “a visual awareness of your surroundings’’ within their children. “Think of looking games as something to do when you’re walking. ‘How many colors can you find in this landscape? What story can we tell each other about this picture?’ ’’ she says. “Think about opportunities to engage your kids with the visual world.’’

While you’re doing that, stock an “art shelf’’ or an “art box’’ with plenty of construction paper, markers, fabric scraps, and old magazines (for cutting pictures out of). That way, when inspiration strikes your child, he or she will have the tools at hand to execute their vision.

The next step is to take them to a museum, so they can see how the pros do it. The MFA offers activity sheets for children, called “Art Connections,’’ that allow them to explore “Mythical Creatures, Powerful Figures, Flowers, Cats, or Writing.’’ Also available at the museum are art classes for kids, a visiting guide replete with “gallery games,’’ a family audio guide, and a “Family Art Cart’’ for children ages 4 and older.

Martin advises parents to build field trips with their kids around a theme. For instance, using the MFA’s self-guiding “Art Connections,’’ parents and children could follow the theme of “Writing in Art’’ from a cuneiform inscription dating to ancient Assyria to an inscribed golden bowl in the early-Greece gallery to the Egyptian funerary arts gallery.

“What you want in visiting a museum is a balance of focus and freedom,’’ says Martin. “Affirm your child’s observations. ‘Ah, so you’re noticing the brushstrokes are short and choppy. Oh, so you think the bird is about to eat the worm.’ ’’

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Las películas del año con (oh no!) optimismo

22 12 2008

Una lista de película que de seguro no llegarán nunca al cine en Puerto Rico (al menos la mayoría), but here’s hoping que Fine Arts Café nos salve… al menos después de que se ganen dos o tres oscares algunas de ellas. Y de paso una mirada a la industria del cine en la tan actual y totipotente crisis económica. Manohla Dargis escribe para el NYTimes:

happy

YOU can’t make everyone happy,” a woman says in “Happy-Go-Lucky,” Mike Leigh’s film about an irrepressible young teacher named Poppy, played with infectious good will and gurgling laughter by Sally Hawkins. “There’s no harm in trying, is there?” Poppy replies, with a smile as bright and warming as the sun. It is hard to argue with the sun when it beats down on you as relentlessly as Poppy.

And so, dear (and hostile) reader, it is in the admittedly alien spirit of optimism that I offer you my 10 favorite films, and some thoughts about the year in film. Optimism, I should add, perhaps needlessly, does not come naturally to me. Hope is for suckers (or so I believed!) and those who think Carrie really will find her happily-ever-after by marrying Mr. Big. I tend to embrace my inner Caden Cotard, the theater director played by Philip Seymour Hoffman in Charlie Kaufman’s “Synecdoche, New York,” a grievously underloved film about life and death and every agonized and beautiful thing in between, including art and the scratch-scratch of those who are trying to leave their marks on the world.

Like Caden, I generally don’t see the proverbial glass half empty; I tend to see it drained to the last sinedoquedrop, chewed up and swallowed, jagged shard by shard. For a lot of people both in the movie world and in journalism, this has been the year of eating glass, which is even worse when you know those who have lost their jobs. Not long ago I went to a press screening expecting to be greeted by the publicist handling the film. She never showed because she had been told to stick around the office to wait for the official confirmation that her company had gone belly up. That news, by the way, was delivered by e-mail.

The next day she and I exchanged goodbye e-mail messages, and she thanked me for a review of another movie that she had been representing. “I just wish,” she added, “a good review meant something these days.” I understand what she means, but she was talking as a publicist, as someone for whom the value of a review comes down to whether it can help sell a movie in a fearsomely overcrowded market. But selling movies isn’t the job of the reviewer, which is something I wish some of my colleagues would remember whenever they start moaning about how critics don’t have power anymore. As if making (or breaking) movies were part of the gig. It isn’t, and never should have been.

flightThat doesn’t mean critics don’t advocate and try to nudge (or push) you into theaters. And I do wish more of you had checked out the likes of “Alexandra,” a spooky, ethereally beautiful meditation on war and national identity from the Russian filmmaker Alexander Sokurov, which ushers you into an extraordinary, vivid world unlike any that materialized at the local multiplex. Or “Flight of the Red Balloon,” a tenderly expressive film about childhood and its end from the Taiwanese director Hou Hsiao-hsien, an artist whose camera soars even as his worldview remains grounded in real life. Or “Silent Light,” a rapturous love story set in a northern Mexican Mennonite community from Carlos Reygadas. Or “Paranoid Park,” the one great film from Gus Van Sant to come out this year.

Mr. Van Sant’s other film, of course, is “Milk,” a touching if aesthetically unremarkable biography of Harvey Milk, the assassinated gay rights pioneer. I like “Milk,” which has a strong, showy, often moving performance from Sean Penn as Milk and one gorgeously directed and choreographed sequence — shot by the great cinematographer Harris Savides — in which Josh Brolin, oiled in flop sweat and hair grease as Milk’s killer, Dan White, walks alone through a series of grim institutional corridors that put the killer’s existential isolation and desperate journey into bold visual terms. “Milk” is undeniably moving, but it earns most of its power from its historical resonance and because it holds up a mirror to another charismatic community organizer who rose from the streets on a message of hope.

I wish “Milk” well, because I want Mr. Van Sant, usually one of the most aesthetically venturesome American darkknight1directors working today, to keep making movies. I’m also rooting for “Milk,” which was made by Focus Features, a specialty division of Universal Studios, because it represents the kind of serious, midsize production that seems most in peril these days. The big studios like being in the big movie business, but it’s rare that art enters the equation as forcefully as it does in “The Dark Knight,” the Christopher Nolan film that earned critical love on its release but is now being shunned by critics’ groups that seem to think complexity, self-conscious contradictions and beauty are exclusive to the art house.

“The Dark Knight” was one of the few good things to come out of Warner Brothers this year. In the spring the studio shut down two of its specialty divisions, Warner Independent Pictures and Picturehouse, and gutted another of its companies, New Line Cinema. This is bad news for those who lost their jobs and for mainstream American movies of a certain size and provenance. Warner Independent and Picturehouse released some unfortunate titles, but sometimes they were also responsible for the only decent movies to come off the Warner lot, including George Clooney’s intelligent gloss on the showdown between Edward R. Murrow and Joseph McCarthy, “Good Night, and Good Luck”; Guillermo del Toro’s eerie wartime fairy tale, “Pan’s Labyrinth”; and Fernando Eimbcke’s low-key, low-budget charmer “Duck Season.”

I’m keeping my fingers crossed that more specialty divisions keep afloat. Without them it’s hard to see how a modern masterwork like Paul Thomas Anderson’s “There Will Be Blood,” which was released last year by Paramount Vantage — whose ranks were radically thinned this year — will be made. Over the past few decades the studios siphoned talent from the independent sector, including filmmakers like Mr. Anderson and Mr. Nolan, and went into the art-house business. I have deeply ambivalent feelings about how this incursion affected the independent world (it turned the Sundance Film Festival into a frenzied meat market, among other unfortunate developments), but there’s no question that American mainstream movies have been better for it.

The tough times have been even tougher on nonstudio companies, including the British outfit Tartan Films, which shut down entirely, and ThinkFilm, which teetered on the edge this year and saw the departure of one of its founders, Mark Urman, who headed to a new venture. Despite its woes, ThinkFilm released some solid films this year, including another of my favorites, “Encounters at the End of the World,” in which Werner Herzog goes deep and way down south to the Antarctic only to surface with an elegiac meditation on life and death among creatures great and microscopic. Mr. Herzog dedicated this digitally shot wonderment to his longtime friend, the critic Roger Ebert, who, despite losing his voice to illness, has continued to express his movie love with admirable vigor.

still-lifeThere are glimmers. While independent distributors have taken plenty of hits, veteran outfits like New Yorker Films, which released another of my favorites, Jia Zhang-ke’s “Still Life,” and newcomers like Oscilloscope Pictures, which put out my last (though not least) favorite of the year, Kelly Reichardt’s “Wendy and Lucy,” are keeping the faith. When I was in college, I once helped program an entire semester’s worth of attractions just by cherry-picking titles from the New Yorker Films back catalog. The company’s longevity seems something of a miracle, as does the consistent quality of its releases. If nothing else, companies like these offer stubborn proof that there remains a serious audience for the kinds of serious movies that Ms. Reichardt, Mr. Herzog and others keep making against often daunting odds.

At the risk of sounding stoned on hope, I offer the following heresy: The movies are fine. Sometimes they’re great; occasionally they’re magnificent. The movie and news businesses are hurting, true, but any year that brings films like “Still Life” into American theaters — along with “Momma’s Man,” “Reprise,” “Ballast,” “The Class,” “Boarding Gate,” “A Christmas Tale,” “The Duchess of Langeais,” “Gran Torino,” “Harvard Beats Yale 29-29,” “My Winnipeg,” “The Last Mistress,” “The Order of Myths,” “Trouble the Water,” “Frownland,” “Patti Smith: Dream of Life,” “Mad Detective,” “Vicky Cristina Barcelona,” “Che” and “Wall-E,” or rather its first superb 15 minutes (which bear remarkable resemblance to the first 15 minutes of “There Will Be Blood,” though that’s another story) — cannot be deemed a washout.

There is, of course, perverse pleasure in ending the year with an angry rant, as I have proven in the past, if only to myself. But given the clanging of so much bad news, I thought I would try a change of pace. I’m not sure if optimism becomes me, but it sure feels nice. Every year filmmakers from around the world offer us stories filled with grief and tragedy that either feed our souls or rip out another little piece. I tend to fall for movies like these, but I also swoon for those filled with grace and generous sentiments, like “Happy-Go-Lucky,” that suggest that one way to face hard times (and raging driving instructors) is with an open heart and smile. Quickly now: give it a try!





Arte a lo Disney

16 11 2008

Disney es una de las industrias culturales más grandes que hay y si bien los clásicos de La sirenita y Aladdin son de tiempos pasados con Pirates of the Caribbean y la recién compra de Pixar ciertamente va a haber Disney pa rato. Y como ni yo puedo resistir el encanto del ratón más famoso del mundo cuando pasé por la megatienda de Disney en la quinta avenida de manhattan no pude evitar entrar. Y qué me he encontrado? nada más y nada menos que el “Disney Fine Art Galery” donde pueden comprar piezas entre los $600 – $2000 del susodicho “arte fino” de Disney. Aquí les dejo una muestra de las graciosas apropiaciones de los clásicos del arte que ha hecho Disney.

Portrait de Goofy en su versión de cubismo pop

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Mickey y mini van a tomar un café en una pintura de Renoirrenoir-by-dsoto

Disney viaja a la china

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Y mi favorita…

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Disney a la afiche. Quizás estoy en un viaje pero no puedo evitar pensar en el poster icónico del Che, los colores, la mirada misteriosa pero simpática and of course, el hotness.





Bailando en las rocas: del rock climbing, el baile y AscenDance

30 06 2008

Rock climbing. ¿y qué tiene que ver eso con el arte? pues hasta hace poco les hubiera mirado con cara de “bendito nene tú sí que no sabes na”, pero hoy acabo de ver una competencia de escalada (en específico, de bouldering, para los conoseurs) y creo que sí, hay una relación. En los mejores escaladores había una gracia en el movimiento que honestamente me resultó sorprendente, ni que estubieran haciendo ballet en las paredes. Es más se deslizaban como si lo que a mí me costaría tres ojos de la cara para ellos fuera nada – en eso también se parece al ballet, tanto que se tripean a los varones por lo delicados que se ven en escena pero mira si están fuertes los contrayaos. Pero nada, obvio que a los escaladores varones no se los tripean por subir con gracia y fluidez, al contrario ese es el punto y el poseer en su movimiento esta cualidad tradicionalmente femenina (gracia, ligeresa) resulta positivo. Al punto que por lo que he visto la frase “climb like a girl” es algo positivo, contrario a digamos “dar/tirar/etc. como una nena”. Y bueno esto es todo un debate en la blogosfera de rock climbing en el que no me meteré porque ya más que lo han cubierto aquí y aquí, pero si les seguiré cantaleteando de la escalada, la gracia y el arte, en particular en lo que conscierne al baile.

Resulta que si bien la fuerza es necesaria mucho del trepar paredes tiene que ver control del cuerpo, con balance, con flexibilidad e (increíble pero cierto para nosotros los ignorantes) con creatividad más que puro mollero power, según me explicó panacea911. Entonces no pude evitar pensar en el baile y como más que de subir una pierna a tal altura u otras demostraciones de fuerza, se trata más bien de control del cuerpo, de entender el movimiento necesario, preciso, justo para cada acción. Y mi impresión resultó validada, desde el 2006 hay una compañía en California (Ascendance Project) que ha fuscionado el rock climbing con el baile y hacen unas cosas bastante interesante, aquí les dejo algunos vídeos para que la próxima vez que vean una pared de rocas piensen en algo más que minerales.

“Levitate”

“Dancers for higher”





Utopía: el campamento

18 05 2008

Pues resulta que el campamento de Maritza Pérez (que no está mal tampoco) no es la única opción para los niños artísticos del área metro. Recién me enteré de Utopía, un campamento para niños de 5 a 15 años, que, según ellos recuentan, “es un encuentro de arte, circo y teatro”. Cuesta $375 x el mes, de junio o julio. Incluye almuerzos, materiales, seguros, giras, talleres de 9:00am a 3:00pm. Se pueden matricular el próximo sábados 24 de mayo en la Biblioteca Carnegie, Viejo San Juan y hay dos sesiones disponibles, una del 2 al 27 de junio y otra del 1 al 24 de julio. Sólo hay 50 espacios disponibles, pero se ve bien chévere, sobretodo por lo del circo, hay cursos de actuación por todas partes pero de circo, acrobacia y ser clown no tanto, por lo que esto podría ser un proyecto interesante.

Para más info pueden escribir a tallersr@onelinkpr.net





Haflah!…de las posibilidades artísticas del belly dancing

14 04 2008

Cuando se piensa en belly dancing, muchas imágenes e ideas vienen a la cabeza, pero rara vez éstas se encuentran asociadas a palabras como “arte”. Velos, caderas y, de vez en cuando, dólares, se cuelan con mayor persistencia en nuestras mentes ante la mención de tal tipo de danza. Y es que si bien el baile en general ha logrado establecerse como arte, hay bailes y hay bailes, y no es lo mismo decir ballet (o incluso danza moderna) con su historial de validación artística y/o intelectual que hablar de bailes populares como la salsa, el tango, o el belly dancing.

En el caso de la danza del vientre, resulta aún más difícil conceptualizarlo como arte porque la mayoría de la exposición que tiene está limitada a restaurantes, un contexto que lo limita al espectáculo: puro show para crear placer en 15 minutos. Placer que con frecuencia tiene menos que ver con destreza y sensibilidad artística que con consumo visual del cuerpo femenino y de lo exótico. En estos lugares el belly dancing se vuelve postal de desiertos con dátiles y mujeres bellas, nada más hay que considerar que a este baile también se le llama “danza del Medio Oriente”, es ícono directo de su localidad pero en cambio nadie habla de la “danza de Puerto Rico” para referirse al reggaetón. Ante estas circunstancias no resulta de extrañar que va a ser muy dificl encontrar una pieza de belly dancing en el American Dance Festival o en el repertorio de algún “gran coreógrafo”.

En medio de este contexto se llevó a cabo el primer “Haflah” de Araba Café Teatro. Y ya desde el nombre, que en árabe señala un encuentro para reunirse y bailar, se nota una diferencia con el mundo exótico y comercializado del belly dancing al que estamos acostumbrados (bajo ese esquema de seguro le hubieran llamado “Arabian Fantasy”, “noche de Magia Oriental” o mejor aún “la lámpara mágica”).

Al ser la presentación la actividad de cierre de unos cursos de baile del vientre ofrecidos en el susodicho café teatro, el talento estuvo compuesto en gran medida por amateurs. En consecuencia se vio descoordinación o destiempo entre los bailarines en ocasiones, mas no fue algo que impidiera el disfrute pues, de nuevo, esto era un haflah, una reunión para celebrar y la informalidad no resultaba ofensiva al concepto de lo que se quería presentar.

Es así como otros elementos como el repertorio pudieron sobresalir a pesar de las “fallas” en algunos de los intérpretes. Resultó evidente que los organizadores de la actividad hicieron un esfuerzo en llevar el belly dancing a sus máximas posibilidades. No sólo se presentaron las formas usuales de esta danza con sus velos, panderetas y espadas, sino que también se trabajaron fusiones con el flamenco, y la interpretación del baile con música no tradicional como tango, rock y progressive. Esto le dio variedad a la actividad, y si bien no todas las presentaciones estuvieron a la misma altura, en general dejaban al público con un aire de satisfacción.

Pero quizás la mayor innovación estuvo en una pieza que era un performance hecho a partir del belly dance. En este trabajo las bailarinas partieron de un esquema teatral (hay cuatro amigas y de repente una se queda viuda) para luego pasar a jugar con las expectativas tradicionales que tenemos de las bailarines de belly dancing y en extensión las mujeres orientales. Las que parecían bien sexys resultan no serlo tanto y las que estaban cubiertas por burcas resultan estar mucho menos sometidas de lo que esperaríamos de estas “otras” mujeres que los medios nos presentan como tan increíblemente diferentes a “nosotros”.

El primer haflah de Araba no fue una actividad libre de fallas, tampoco la máxima exposición de las posibilidades artísticas del belly dancing, pero ciertamente abrió el camino y mostró que se puede hace mucho más con este tipo de baile que lo que estamos acostumbrados a ver. De la misma forma que otros bailes populares como el flamenco han logrado tener un poco de más presencia en contextos artísticos como en el trabajo de compañías como la de Sara Baras y sobretodo en el trabajo fílmico de Carlos Saura, se podría hacer mucho más con el belly dancing de lo que se ha hecho hasta ahora. Es cuestión de creatividad e iniciativa. Y por ahí vamos.