Estoy emocioná. Acabo de dar con una revista de baile genial - ¡Y EN ESPAÑOL!. A pesar de que todavía no me hace mucho sentido el nombre (Susy Q) me gusta mucho el que hablen desde ballet hasta danza tribal, pasando por danza contemporánea y flamenco. Realmente cubren temas muy diversos pero lo hacen con profundidad. Se nota que todavía no se han ajustado completamente a la transición al mundo digital pues en términos de formato sigue mucho el emplanaje de una revista de papel, pero pues, nada es perfecto y la verdad es que abordan temas realmente interesante como este artículo sobre la danza y la guerra en el siglo XXI

Danza antibélica del siglo XXI

¡GUERRA!

Estigmatizado como arte bonito y etéreo, el de la danza no necesariamente está siempre al servicio de la evasión y la belleza. Ante esta guerra en Irak que estremece han empezado a aparecer unas pocas pero muy relevantes voces de la danza que, desde el escenario, están haciendo comentarios, severos y críticos, sobre esas bombas que caen lejos de escenarios y focos. A personalidades como Nacho Duato, Paul Taylor, Itzik Galili o Sidi Larbi Charkaoui, se ha sumado ahora William Forsythe. Pasamos revista para continuar clickea aquí.

“Three Atmospheric Studies”, también conocido como “el Guernica de Forsythe”, pieza sobre la guerra en Irak del coreógrafo William Forsythe.

Me acabo de enterar de que el Taller Tambuyé ofrecerá un taller de danzas africanas y hatianas, el cual será dirigido por Ama Codjoe, profesora de danza en la Ohio State University. No la conozco a ella, pero sí a la cooridnadora del evento, Marién, quien es una bailarina y maestra excelente (tengo muchas ganas de volver a tomar clases de bomba con ella) así que no me cabe duda de que habrá escogido a alguien muy bien capacitado para traer a Taller Cé.

Taller Intensivo de Danzas Africanas y

Haitianas

Fecha: martes, 6 de mayo

de 2008

Lugar: Café-Teatro TallerCé,Calle Robles 55, Río Piedras

Hora: de 8:30 pm a 10:00pm

Costo: $15.00 por persona

Nivel: Básico (no tienes que

tener experiencia)

Ropa cómoda y flexible

Para más información te puedes comunicar al 787-379-9385.

Auspicia Taller Tambuyé - Marién Torres López, Directora

Desde que comencé a jugar con la idea de hacer un blog de danza, o al menos, un blog que tuviera el baile como uno de sus temas principales me di a la tarea de buscar otros blogs al respecto. Después de todo, de eso se trata un blog, de ser parte de una comundidad, de crear un diálogo. Pero desde aquel momento en que nació Danzares, que luego evolucionaría al actual Comunarte, he tenido serios problemas dando con blogs de danza, en particular en español. Hoy, una vez más, me senté a buscar blogs con la esperanza de que el Internet, en su rápido crecimiento, hubiera parido uno o dos espacios para esta rama del arte, y si bien todavia sigo en la búsqueda de encontrar buenos blogs de danza (sólo he dado con uno o dos al momento), sí encontré este post sobre alguien que comparte mi percecpción respecto a la pobreza de la blogósfera en este tema. Lo cito:

“If you think about painters and sculptures, you think about artists who have always had to sell their work directly to their patrons and/or end consumers. If you think about members of a band, you think about musicicians who have to promote themselves to get gigs. On the other hand, dancers and actors go to auditions where their work is judged by casting directors. Once a dancer/actor is in a performance, he or she does not then play any part in ensuring that money is coming in.”

Pero aún más interesante:

“Visual artists are very accustomed to making and selling multiple copies of a single artwork. Stage performers, however, are very very reluctant to reproduce their performances in any medium. So for a painter, making digital reproductions of their art for online distribution and sale is no big deal. But dancers and actors are terrified if somebody brings a camera or video camera to a performance.

I’m not making light of the concern that performance groups have of illegal copies being made of their performances. But I believe that the historical distaste that performance groups have for allowing their works to be filmed is posing a problem as the Internet and blogs play a more important role in all aspects of our economy.”

Esta resistencia a reproducir el trabajo de los bailarines es algo que he vivido en persona. Hay mucho miedo a que te “roben” la coreografía. Como artista lo entiendo, es una preocupacion muy válida, hay gente que hace sucierías. Mas a la misma vez el arte se nutre del intercambio y el mantenernos aislados no necesariamente implica una mayor originalidad, incluso puede crear una parálisis creativa porque no hay flujo de ideas, no hay intercambio o nuevas influencias. Corresponde a nosotros los bailarines, los actores, en fin, los artistas, tener ética suficiente como para no copiar literalmente el trabajo de otros sin permiso ni crédito (algo que una comunidad activa puede monitoriar facilmente como se hace en wikipedia, en eso más blogs podrían ayudar) pero buscar también entablar un diálogo. Diálogo que aproveche las herramientas del Internet tanto para promover nuestro trabajo (próximo show, talleres, etc.) como para crecer crear un espacio de autocrítica y simplemente compartir los performances “cools” e interesantes que hay por ahí, en fin, crecer como artistas.

Una vez más si quieren ver el post completo, que a pesar de ser del 2005 realmente sigue vigente ycuenta con un análisis muy interesante, pasen por aquí.

Si hay un concepto que se asocia con el graffiti es la urbanidad. Es un arte de paredes, de subways, de edificios abandonados y de muros míticos también, como el de Berlín o el de Israel y Palestina. Pero en la semana del planeta Tierra (cuyo día se celebra el 22 dde abril) tenía curiosidad por ver que se había hecho de graffiti relacionado a la naturaleza. Después de todo el graffiti tiene fama de niño rebelde y de seguro algún grito ambientalista se habría manifestado en alguna parte del mundo. Y efectivamente, en Grecia los anarquistas hicieron de las suyas y dejaron este regalito.

Pero para mi sorpresa, aún más que ambientalista, resulta que se puede hablar de un graffiti verde. Resulta que desde hace algún tiempo artistas como Moose de Inglaterra, han comenzado ha trabajar con la idea de graffiti a la inversa, conocido en inglés como “reverse graffiti”. Explico, te acuerdas de cuando le escribías “¡lávame!” al carro sucio de tu mamá, pues la misma idea de limpiar selectivamente el polvo y el sucio para crear algo está siendo utilizada por estos artistas para crear obras de arte.

De esta forma el aparente dilema de graffiti como arte o vandalismo, belleza o suciedad, cobra toda una nueva dimensión. Sobretodo porque los artistas, conscientes de las implicaciones de sus técnicas, han hecho obras en nada inocentes. En Brasil Alexander Orion fue a un túnel de Sao Paolo y creó un mural de calaveras, como para recordarle a los miles de autos que por allí transitan todos los gases dañinos que emiten. En respuesta, el gobierno de Sao Paolo limpió ese lado del túnel para borrar el graffiti; o sea, terminó de limpiar lo que ya Orion había comenzado a hacer selectivamente con su arte. Mas mira que el niño tiene maña porque entonces volvió a hacer el mismo mural en el otro lado del túnel y esta vez las autoridades finalmente captaron el mensaje y limpiaron TODOS los túneles de Sao Paolo. Al parecer las paredes ya no sólo sirven para hablar, ahora también, para actuar.

Por su parte, en Brooklyn, se ha dado probablemente el epitome del graffiti verde. La europea Edina Todoki, está dejando rastros verdes por toda la ciudad en una obra que deriva del graffiti en su diálogo con las paredes y lo urbano,. Sin embargo guarda aún más relación con la instalación pues crea sus piezas a partir de “pegar” plantas a las paredes. Lo mejor es que en ocasiones ella u otros van y las cuidan, pero igual, según expone la artista, dependiendo de la estación del año las plantas son capaces de sobrevivir por ellas mismas, creando una obra que literalmente esta viva.

Quizás con este tipo de acciones en la ciudad podamos finalmente entender cuanto podemos afectar nuestro ambiente con nuestras acciones que muchas veces son dañinas, pero también cuanto nos podemos dejar afectar por el ambiente mismo, para traerlo una vez más a la cotidianidad de nuestras vidas.

Aquí les dejo un vídeo de la creación del graffiti en Sao Paulo, con intervención de policías y todo

este artículo fue publicado originariamente en la revista La Jota. Para verlo (tiene más fotos) clikea aquí.

Acabo de descubrir a través del blog Háblame de música un website para hacer y compartir playlists de desde música hasta vídeos. Chévere, no? Así que decidí entrar al susodicho Imeem y veo que se pueden hacer playlists con videos de danza, estupendo quizás puedo crear una versión más techie friendly para los posts sobre vídeos de danza. Clickeo en la categoría correspondiente y saben que aparece? un chorro de vídeos de “booty shake”, “booty bounce” y “booty popping”…….:S…… Al parecer el medio puede ser innovador pero la cultura no tanto, aunque bueno, quizás me equivoco - había uno muy progresivo, así bien “up front”, si mal no recuerdo se llamaba “huge boobs”, nice…. not.

Como mencionaba en mi post anterior sobre el belly dancing, el flamenco es uno de los bailes populares que ha logrado una sorprendente representación en contextos artísticos más allá del lugar donde nació y los restaurantes o espacios que están directamente ligados a ese lugar. En este sentido hay una gran cantidad de trabajo en vídeo que utiliza al flamenco como medio de expresión artística.

Con la fuerza y fiereza característica del flamenco es de esperar que muchos de sus exponentes más conocidos (que no por eso son necesariamente los mejores) sean hombres. Digo esto, no porque una mujer no pueda ser fiera y fuerte (si baila flamenco ciertamente algo de eso tiene que tener y hay muchos ejemplos de mujeres fuertes en el flamenco, siendo el clásico Carmen Amaya), sino porque al ser características más esperadas de un hombre estos son aceptados, y en consecuencia promovidos, más rápidamente que las mujeres. Es más facil para una mujer hacerce famosa por su sensualidad o dulzura que por su fuerza. Lo mismo ocurre a la inversa: es más fácil que un hombre se haga famoso por su fuerza que por su dulzura. Entonces si se trata de un baile fiero adivina a quienes preferirán?

Pero bueno, más allá de las dimensiones de género en el flamenco, si bien hoy día cuando se dice “bailarín de flamenco” la imagen instántanea es la de Joaquín Cortés (no más googlen el término para que vean) hace algunas décadas atrás el nombre era Antonio Gades. Gades, quien toma su apellido artístico en honor a las bailarinas gaditanas (siguiendo la sugerencia de su maestra, Pilar López) fue la estrella de varias películas como Bodas de Sangre y Carmen, ambas del director Carlos Saura. Para que le puedan hechar una miradita al bailaor par excellence antes de la llegada de Cortés, aquí los dejo con un solo genial de Gades quien tiene un estilo así muy masculino pero sin caer en un macharranismo excesivo. Es una farruca, mas en este caso se prescinde de la música, pues con la fuerza y presencia de este bailaor ni hace falta.

Pero para que no digan que la tengo contra Joaquín, les traigo una de sus primeras incursiones antes de que fuera uno de los bailarines más famosos del mundo (de flamenco y de cualquier baile en general, lo que es un orgullo para el flamenco). Me gusta este vídeo porque es un pedazo de una película de Almodovar (La flor de mi secreto) así que se podrán imaginar lo viajoso y extremadamente sexual que es la coreografía y la misma forma de filmarlo. Aquí flamenco a lo posmoderno:

Pero como no todo es bueno, el peor vídeo de “flamenco”. Aquí por….latin lover a la n potencia????

Ciertamente el traje está lindo (a pesar de lo levemente tacky en su excesiva latinidad), pero a la jlo como que se le olvida que esto es flamenco no hiphop. uno ataca los pasos pero no hay tanta hostilidad, pues siempre dentro de la fiereza queda algo de coquetería (no más miren a Joaquín Cortés, quien a pesar de su flamenco fusionado con otras cosas, tiene mucho más estilo y respeto por el flamenco)… Jennifer López está dando esos pasos como si estuviera espachurrando cucarachas. agg es que no puedo con el performance de uber latin lover, en el que (me perdonaran sus fans) Joaquín Cortés es más que partícipe, en ese sentido él es un bailaor macho pero medio queercito.

Cuando se piensa en belly dancing, muchas imágenes e ideas vienen a la cabeza, pero rara vez éstas se encuentran asociadas a palabras como “arte”. Velos, caderas y, de vez en cuando, dólares, se cuelan con mayor persistencia en nuestras mentes ante la mención de tal tipo de danza. Y es que si bien el baile en general ha logrado establecerse como arte, hay bailes y hay bailes, y no es lo mismo decir ballet (o incluso danza moderna) con su historial de validación artística y/o intelectual que hablar de bailes populares como la salsa, el tango, o el belly dancing.

En el caso de la danza del vientre, resulta aún más difícil conceptualizarlo como arte porque la mayoría de la exposición que tiene está limitada a restaurantes, un contexto que lo limita al espectáculo: puro show para crear placer en 15 minutos. Placer que con frecuencia tiene menos que ver con destreza y sensibilidad artística que con consumo visual del cuerpo femenino y de lo exótico. En estos lugares el belly dancing se vuelve postal de desiertos con dátiles y mujeres bellas, nada más hay que considerar que a este baile también se le llama “danza del Medio Oriente”, es ícono directo de su localidad pero en cambio nadie habla de la “danza de Puerto Rico” para referirse al reggaetón. Ante estas circunstancias no resulta de extrañar que va a ser muy dificl encontrar una pieza de belly dancing en el American Dance Festival o en el repertorio de algún “gran coreógrafo”.

En medio de este contexto se llevó a cabo el primer “Haflah” de Araba Café Teatro. Y ya desde el nombre, que en árabe señala un encuentro para reunirse y bailar, se nota una diferencia con el mundo exótico y comercializado del belly dancing al que estamos acostumbrados (bajo ese esquema de seguro le hubieran llamado “Arabian Fantasy”, “noche de Magia Oriental” o mejor aún “la lámpara mágica”).

Al ser la presentación la actividad de cierre de unos cursos de baile del vientre ofrecidos en el susodicho café teatro, el talento estuvo compuesto en gran medida por amateurs. En consecuencia se vio descoordinación o destiempo entre los bailarines en ocasiones, mas no fue algo que impidiera el disfrute pues, de nuevo, esto era un haflah, una reunión para celebrar y la informalidad no resultaba ofensiva al concepto de lo que se quería presentar.

Es así como otros elementos como el repertorio pudieron sobresalir a pesar de las “fallas” en algunos de los intérpretes. Resultó evidente que los organizadores de la actividad hicieron un esfuerzo en llevar el belly dancing a sus máximas posibilidades. No sólo se presentaron las formas usuales de esta danza con sus velos, panderetas y espadas, sino que también se trabajaron fusiones con el flamenco, y la interpretación del baile con música no tradicional como tango, rock y progressive. Esto le dio variedad a la actividad, y si bien no todas las presentaciones estuvieron a la misma altura, en general dejaban al público con un aire de satisfacción.

Pero quizás la mayor innovación estuvo en una pieza que era un performance hecho a partir del belly dance. En este trabajo las bailarinas partieron de un esquema teatral (hay cuatro amigas y de repente una se queda viuda) para luego pasar a jugar con las expectativas tradicionales que tenemos de las bailarines de belly dancing y en extensión las mujeres orientales. Las que parecían bien sexys resultan no serlo tanto y las que estaban cubiertas por burcas resultan estar mucho menos sometidas de lo que esperaríamos de estas “otras” mujeres que los medios nos presentan como tan increíblemente diferentes a “nosotros”.

El primer haflah de Araba no fue una actividad libre de fallas, tampoco la máxima exposición de las posibilidades artísticas del belly dancing, pero ciertamente abrió el camino y mostró que se puede hace mucho más con este tipo de baile que lo que estamos acostumbrados a ver. De la misma forma que otros bailes populares como el flamenco han logrado tener un poco de más presencia en contextos artísticos como en el trabajo de compañías como la de Sara Baras y sobretodo en el trabajo fílmico de Carlos Saura, se podría hacer mucho más con el belly dancing de lo que se ha hecho hasta ahora. Es cuestión de creatividad e iniciativa. Y por ahí vamos.

¿Que el reggaetón es pura basofia musical sin ninguna trascendencia cultural? si eres de lo que creen esto y no puedes esperar porque se “pase la fiebre” y arresten a Don Omar por mafutero de una vez y por todas, que lástima por ti, pero resulta que en Chile el reggaetón ya ha provocado la madre de los híbridos y la nueva moda es ser “un pokemon” - lo que es igual a verstirse a lo emo, con peinados de muñequito de animé, y escuchar reggaetón. ???!!! Si quieres aclarar las dudas aquí hay un excelente artículo al respecto publicado en La Jota, con vídeos geniales documentando el fenómeno pokemon y la cobertura de los medios (por supuesto que han hecho un party cubriendo a esta “tribu urbana” de chamaquitos que según ellos lo único que hacen es perrear). Pero si lo que quieren es aprender el lenguaje pokemoniano Kassiopea se tomó la molestia de definir par de palabritas. Mis favoritas:

Bolbasor: Pokemon gordito

Chaya: chica fea

Wena wacho, o wena perro: expresion que se usa para saludarse

Mojar el rollo: tener relaciones sexuales

Pero como siempre hay gente intolerante que no puede bregar, supuestamente se ha creado una campaña que incentiva a linchar pokemones a diestra y siniestra. lo que me recuerda los impulsos perversos de un compañero de clase mio que tenía por pasatiempo atacar a los góticos que hanguean en los malls, su plan: atacarlos con supersoakers llenas de agua con ajo…. uff, que mal nos va.

Bueno en abril se celebra el día internacional del baile y aunque por lo general le dedican sólo 24 horas (29 de abril) aquí en ComUnArte nos da por ser más generosos y nos vamos a tirar el mes completo con los mejores, más interentes y, de vez en cuando, los peores vídeos de baile.

Para empezar, el mostro de la captura en vídeo de flamenco: Carlos Saura, con uno de los mejores montajes para fílmico de un baile flamenco grupal Y con traje de cola…. además de una doñita que se las trae, como suele pasar en el flamenco. Aquí por alegrías

Para una verdadera mostra de pies les dejo con Eva La Yerbabuena, precisión y sensibilidad encarnada. Lo que me gusta de esta bailaora es que sabe llevarte desde lo suave hasta lo violento y de vuelta, y las transiciones son tan perfectas que parece nunca hubiera tenido que practicar en su vida. Aquí por seguirillas

Y ahora, una mujer que realmente ha sabido explotar las posibilidades artísticas del flamenco, siguiendo así el legado de Carlos Saura. Sara Baras aprovecha tanto sus pies como el resto de su cuerpo, los colores, la luz y un buen uso de cámara. Aquí por bulerías

—-la saga continua así que si quieren ver la segunda y última parte de estas bulerías clikea aqui

En el 1967 Gabriel García Márquez nos trajo una “lluvia de flores amarillas” que coronó la muerte del patriarca de los Buendías, José Arcadio. Hoy, algunas millas más lejos, pero todavía en la esfera mágica del Caribe, son almohadas las que llueven. Almohadas impregnadas de muerte, angustia y soledad que dominaron el panorama de la obra experimental el “Fin del sueño”, obra que se presenta en el teatro Victoria Espinoza por el grupo teatral Agua, Sol y Sereno en colaboración con Y no había luz.

La pieza, dirigida por Pedro Adorno, cuenta con una trama relativamente sencilla: una familia ordinaria de clase media sufre la muerte violenta de uno de sus hijos, Darío, y se debate entre el mejor camino para reconciliar la irracionalidad de tal acto con la vida que continua – ¿qué es mejor?: el olvido, la venganza… o la locura. Pero como buena pieza experimental el punto no está en qué se dice sino en cómo se dice. Y es aquí donde las almohadas hacen de las suyas, de ser un ícono clásico de paz y serenidad se vuelven un objeto problemático: almohadas que no permiten conciliar el sueño, que en vez de proveer comodidad lo que hacen es revolcar los dolores y remordimientos al punto de volverse armas con las que, literalmente, se sofoca a los personajes.

En este mundo donde las cosas no son lo que acostumbran son los espejos y su aparente “realidad” los que dominan, siendo el único elemento de escenografía. Pero esta “pobreza” escénica es adrede: el mundo de los personajes es un universo negro y enorme, cuya bastedad sin colores resulta opresiva. El gran tamaño del recién restaurado Victoria Espinoza resulta entonces de mucho beneficio pues permite que los personajes se muevan en múltiples espacios más allá de la tarima: enfrente de ésta, por detrás, e incluso por debajo, pero donde quiera que vayan sus angustias le persiguen y es imposible descansar, mucho menos soñar.

Otro elemento que resalta de la pieza, en adición al uso de la escenografía y el espacio, es la influencia de la danza a la hora de fijar las escenas. Si bien esto no es un musical y no hay irrupciones repentinas de coros bailando, la pieza aprovecha las posibilidades expresivas del movimiento y el ritmo. Constantemente se aprovecha la música en la pieza, incluso cuando los actores están hablando -algo que en el teatro tradicional resulta cuasi-tabú por la primacía que se le da a la voz por encima de todo.

Pero quizás lo más genial es como los actores tratan con tremenda naturalidad y respeto a sus personajes, nada de melodramas o de dicciones que gritan “mirame. soy actor.ESTOY AR-TI-CU-LAN-DO”. Independientemente de que sus personajes sean locos montados en seudo-carros hechos a base de computadoras y manos de maniquí, o alcohólicas desnudas, su humanidad es lo que persevera. Quizás el sueño tiene que llegar a su fin pero no necesariamente las ganas de seguir soñando.